Nadie sabe el pasado que le espera

Por: Teo Rodríguez

La semana pasada, entre el 1 y el 6 de noviembre, se dieron cita en Managua, Nicaragua, un número significativo de curadores, artistas y gestores de la región convocados por la séptima Bienal del Istmo Centroamericano, Bavic 7.

El evento se inauguró formalmente el 4 de noviembre en el teatro Rubén Darío, pero estuvo precedido por el evento teórico Nadie sabe el pasado que le espera (Arte hoy desde Centro América), especialmente dedicado a Virginia Pérez-Rattón, curadora pionera en la región, recién fallecida en días pasados.

Para enriquecer el desarrollo de este también fueron invitados algunas figuras de carácter internacional, más o menos vinculados con la producción artística del área. Las  principales ideas que allí se presentaron se ofrecen en el siguiente resumen.

La conclusión más importante fue, sin duda, la necesidad de replantear la estructura de la Bienal, rescatando el valor que tiene como la institución del arte más importante de la región, en un contexto en el que el apoyo del Estado a la educación, la práctica y el oficio del arte es inexistente.

La crisis de un modelo de funcionamiento no puede ser la crisis de una iniciativa que es la que hoy de mayor capital dispone para incentivar la producción de las artes visuales en la región.

Programa desarrollado en el evento teórico

Desandar la historia

Martes 2 de noviembre

Del canon del cangrejo al juidero

Reescritura y revisiones de la historia desde la producción contemporánea de República Dominicana, Sara Hermann (República Dominicana, Centro Cultural Eduardo León Jimenes)

Un intento de valorar o actualizar la idea de la escritura de la historia desde la perspectiva de la producción artística contemporánea. En esta charla se evaluó, desde ejemplos de acciones y perfomances, sobre todo del trabajo del artista Karmadavis.

La progresión histórica: sus reinterpretaciones y revisiones, al tiempo que la regresión aparente en términos de estructura institucional del arte. Se situó al cuerpo como agente principal dentro de la construcción de una historia política desde los predios del arte y la cuestión de las fronteras: el mar y la omisión de Haití en el inconsciente colectivo dominicano.

Proyecto móvil:
El fantasma de la libertad

Rosina Cazali (Guatemala, curadora independiente)
Charla ilustrativa sobre la presentación del Proyecto móvil, de la artista Regina Galindo, en el Museo Universitario de Arte Contemporáneo en México, a presentarse en el mes de noviembre de 2010.

El proyecto formulado en el marco de las celebraciones del Bicentenario de Independencia de México se concibió como una respuesta y reacción ante esa mirada institucional y los temas que implica: memoria, construcción de emblemas, fronteras compartidas.

Incluyó la proyección de una breve selección de videos de la artista e hizo énfasis en la relación México-Guatemala como un mismo contexto de violencia que condiciona un tipo de producción artística. Esto inevitablemente nos llevó a recordar la obra de Teresa Margolles y, en general, la influencia del arte contemporáneo mexicano en Guatemala, sobre todo en la pasada década.

Lo tropical
Pablo León de la Barra (México-Inglaterra, curador independiente)
Asociado al clima y la vegetación de los trópicos se construyó una variante de la cultura occidental, la tropical. Esta ha sido entendida desde una visión etnocéntrica y también como una reacción a esta.

Partiendo de algunos de sus referentes históricos, como Helio Oiticica, Caetano Veloso y Domique González-Foerster, se expusieron proyectos curatoriales o artísticos, más o menos recientes que se sitúan en la  misma línea.

Desde esta perspectiva, Lo tropical se enfrenta a sus propios estereotipos y se reivindica desde el arte como un marco de relaciones políticas y sociales. Aporta una nomenclatura que, aunque ha sido designada por la cultura occidental, nos da la oportunidad de situarnos en nuestro propio contexto para comenzar a irrumpir la linealidad histórica de la tradición.

En contexto
miércoles 3 de noviembre

Hábitat, el sentido de lo urbano

Emiliano Valdés (curador del Centro Cultural de España en Nicaragua) 

Este es un proyecto curatorial auspiciado por el Centro Cultural de  España en Nicaragua que anuncia su nueva cara, tanto la modernización de su sede como de sus estrategias de trabajo.  Intenta responder a la pregunta de qué es lo urbano en una ciudad como Managua, una constante para el visitante que llega y se encuentra con un terreno fragmentado.

Sin centro, ajeno a lo que tradicionalmente supone una ciudad. Para ensayar respuestas o ampliar el espectro de la interrogante, Hábitat se propuso primero como un seminario dirigido a los diferentes artistas centroamericanos invitados a participar.

Este fue impartido por algunos profesionales en el ámbito de la sociología, la arquitectura y la demografía con el fin de acceder a una información directa sobre las características de Managua. A partir de este los artistas crearon sus obras, actualmente integradas al entorno urbano como parte de un diálogo todavía abierto.

La lógica difusa de Lamanchadetomate

Adán Vallecillo (Honduras, artista visual y curador independiente)

Lamachadetomate surgió como una galería de pequeño formato que logró sobrevivir a condiciones sociales adversas. De galería de pequeño formato pasó a convertirse en una productora fuzzy logic, es decir, que va diseñando sus proyectos a partir de una serie de redes colaborativas.

Interacciones experimentales e intercambios que se construyen, renuevan y prescinden de un espacio físico, así como de estrategias de inserción cultural formuladas a priori. No trabaja necesariamente con artistas de la región, sino que desde aquí invita a artista afines que contribuyen con la autogestión del proyecto.

La ausencia de un lugar de operaciones, algo que estuvo determinado por el golpe de Estado, los ha llevado a crear cada vez más un tipo de obra más comprometida con la historia, o las historias y las acciones artísticas. La pregunta que dejó en el aire es ¿cuánto tiempo de vida pueden tener estas iniciativas en la región?

Centroamérica en las bienales de La Habana

José Manuel Noceda (Cuba, Centro Wifredo Lam) 

Acercamiento a la presencia de las producciones visuales del Istmo centroamericano en las bienales de La Habana. Se enfocó en una perspectiva histórica a la luz de las 10 ediciones y los 26 años de existencia de la cita, mostrando las diferentes orientaciones que han estado presentes en la capital cubana, con énfasis en las participaciones más recientes.

El recorrido a través de imágenes incluyó desde la tradición pictórica de fuerte arraigo en Centro América hasta las nuevas tipologías de lo artístico, que en la actualidad toman cuerpo en la región y a las cuales el eventos le ha conferido visibilidad.

Dejó ver las coordenadas de producción de la última década al pasar de la pintura al objeto, de este a la instalación, y de allí a destacar todavía tímidamente algunas problemáticas de género.

El legado de Virginia Pérez-Rattón y el desarrollo de las bienales nacionales y centroamericanas en la región.

Rosina Cazali (curadora independiente, Guatemala), Adrienne Samos (curadora independiente, Panamá) y Juanita Bermúdez (Fundación Ortiz Gurdián y coordinadora de la Bienal Centroamericana).

Esta fue una conversación improvisada, pero puntual, con figuras vinculadas por distintas vías con la puesta en circulación de las obras de arte producidas en la región. Juanita hizo un breve recorrido por las bienales y la conciencia actual de que hay necesidades que llaman a la transformación. Rosina, apuntó que las bienales deberían estar determinadas por las obras y no por un formato predeterminado.

Abordó la trayectoria de Virginia como un recorrido que comienza por su reacción frente a la exposición Ante América (1992), en la que no participó ningún artista centroamericano, y cómo llegó finalmente a replantearse esta propia categoría de lo centroamericano.

Adrienne anotó la importancia de este legado para el contexto actual del sistema del arte en la región, así como la necesidad de reformular la Bienal al pensar en que esta es la institución más importante que tenemos, más allá de que se refiera a una denominación temporal.

Empujando las fronteras
jueves 4 de noviembre

Conexiones entre Miami y el Caribe

Carol Damian (Estados Unidos, directora y curadora jefe del Patricia and Phillip Frost Art Museum. Universidad Internacional de la Florida).

Miami es ahora reconocida por tener una vibrante escena artística que incluye a artistas de todo el mundo, especialmente de Latinoamérica y del Caribe. Cuál es la conexión de esta ciudad con el Caribe y ¿cuál es la escena de galerías y museos (que pueden o no apoyar a los artistas y sus proyectos)? fueron los temas principales abordados en esta intervención.

El abordaje destacó la presencia de los maestros latinoamericanos en el mercado de Estados Unidos y las posibilidades ahora abiertas para que los artistas de cualquier parte del mundo puedan aplicar a concursos de arte público, pues cada edificio que se construye en Estados Unidos está obligado por ley a financiar un proyecto de estos.

Muros reales, muros virtuales en la historia y el arte del Caribe

Michéle Dalmace (especialista en arte del Caribe hispano, Universidad Michel de Montaigne, Bordeaux 3, Francia).

Una reflexión sobre las fronteras políticas, sociales y culturales que hizo y desdibujó la historia del Caribe, por una parte; y por otra, el enfoque y las respuestas del arte del Caribe en relación con estas fronteras.

Esta presentación tomó como punto de partida algunas de las ideas del libro Cuando caen los muros, de Edouard Glissant, reconocido intelectual de Martinica, así como el trabajo del artista cubano Abel Barroso y de otros artistas caribeños.

Hizo extensiva algunas nociones del Caribe a Centro América partiendo de qué no podríamos entenderla como una geografía, ni aferrarnos a la identidad como un muro. 

Desde su óptica es necesario resemantizar construcciones lingüísticas como tercer mundo, criollización, transterritorialidad. A lo que añadimos identidad, imaginario, esencia, puesto que la manera en que perdura la colonización y los mecanismos de subordinación cobran vida mediante el lenguaje.

Arte y sostenibilidad. El formato de la Bienal Centro América.

Elvis Fuentes (Cuba-EE. UU., Museo del Barrio, Nueva York)

Este planteamiento abordó un tipo de coleccionismo no transformado por las prácticas del arte actual. Partió de que el actual sistema del arte vive una paradoja que tal vez explica su constante crisis y su precariedad económica: por un lado.

En el siglo XX y lo que va del presente, el arte ha asegurado una transformación de su dimensión social que ayudó a su democratización y convirtió al artista en un trabajador de la cultura y a cada persona en un creador en potencia.

Sin embargo, la dimensión económica del fenómeno permaneció intacta con las concepciones del artista-genio y del objeto de arte como reliquia de valor incalculable asegurando el abarrotamiento de los depósitos de museos y galerías.

Este sistema es insostenible. Lo curioso es que la clase profesional del campo artístico parece asumir la actitud del que mira la paja en el ojo ajeno: critica la insostenibilidad del sistema económico basado en el consumismo, pero no se percata del mismo problema en el propio.

La presentación estuvo an­­tecedida por un diálogo con el artista costarricense Mau­ricio Miranda, creador de la Fundación con Fines de Lucro, un proyecto que aúna a varios artistas centroamericanos con el fin de fomentar el crecimiento del mercado del arte.

Concluyó con una osada propuesta para un nuevo formato de Bienal Centroamericana que abrió un rico debate, sobre todo porque sirvió más como una provocación que dejó abierta la posibilidad de replantear el evento, según nuestras propias necesidades.

Publicado por: Axel Natareno

Fuente: dca.gob.gt